Art-T : Centre de recherche artistique, d'accompagnement et de formation en art-thérapie
Art-T : Centre de recherche artistique, d'accompagnement et de formation en art-thérapie
Depuis 2012, Art-T développe un territoire artistique singulier où le corps, l’espace et la mémoire deviennent les moteurs d’une recherche continue. Des premières explorations dans l’ancienne Quincaillerie (lieu brut devenu partenaire de jeu) jusqu’aux formes immersives des dernières années, chaque création a ouvert un nouveau champ d’expérimentation.
Les premières années ont forgé un langage fondé sur la présence, le risque et le sensible : Tiroirs de mémoire, Bric-à-brac humain, Processus performatifs. Peu à peu, les projets se sont affirmés et professionnalisés à travers des laboratoires scéniques où les interprètes confrontent leurs ombres, leurs contradictions et leur désir de vérité.
Avec des pièces majeures comme Rêves et (dé)Lear, Celui qui part…, I Love You, Le Grenier ou Maelström, Art-T s’est imposé comme un lieu où la scène devient traversée : immersion, chaos fertile, identité en mouvement, transformation intérieure.
Au fil des années, l’esthétique s’est affinée : hybridation des disciplines, dramaturgies non linéaires, écriture sensible du corps, attention aux espaces, aux traces et aux héritages. Art-T a ainsi construit une identité rare : un art du vivant où le public n’assiste pas seulement à un spectacle, mais entre dans un monde à habiter — un art qui écoute, qui relie et qui interroge ce qui fait l’humain.
Aujourd’hui encore, Art-T avance sur ce fil : créer comme on explore, transmettre comme on recherche, et faire de la scène un lieu de transformation partagée.
Les créations qui suivent constituent les traces de ce chemin artistique. Chaque pièce marque une étape de la recherche menée par Art-T, où la scène devient un espace d’exploration, de rencontre et de transformation.
Avec Maelström, Art-T propose une traversée sensible au cœur du chaos intérieur — un espace où l’on s’effondre, où l’on résiste, et où l’on renaît.
Les identités sont mises en tension. Les corps traversent héritages, normes et résistances. Le processus accepte la contradiction et avance dans un chaos fertile.
La scène disparaît au profit d’un espace à habiter. Objets, corps et voix réveillent les couches de mémoire. La création se partage dans un même souffle.
L’amour est abordé comme un chemin instable. Chacun explore une manière d’aimer, de tomber, de se relever. La création se construit comme une traversée collective.
Les corps sont séparés, les scènes fermées, le monde est confiné. La création se déplace vers l’écran, l’intime, le fragment. Chaque geste filmé devient une tentative de lien.
Le mythe est déplacé pour être mieux interrogé. Les femmes s’en emparent et écrivent à partir de leurs expériences, de leurs colères, de leurs désirs. L’intime devient collectif ; créer devient un acte d’affirmation.
La compétition sociale structure les corps et les relations. Le travail observe l’épuisement, la course, la perte de sens. Le projet cherche les failles, les ruptures, les moments de jeu.
Un système de travail se met en place, précis, répétitif. Les corps l’absorbent, s’y adaptent, puis commencent à dérailler. Le processus observe comment l’humain résiste à la norme.
Bien avant les mots, le mythe est abordé par le corps. La contrariété, la tension et l’élan empêché s’écrivent dans le mouvement. La voix naît du geste, dans une écoute fine des corps.
Ancré dans le jeu physique et l’excentricité, le théâtre fait vaciller les repères. Les personnages se déforment, l’espace devient instable. Le processus privilégie l’état plutôt que le récit.
Quand la parole se retire peu à peu, le corps prend le relais pour dire la perte et le deuil. La création s’appuie sur la répétition, le rituel, le mouvement partagé. L’absence se transforme en présence sensible.
La troupe devient masse, chœur, tempête. Le texte de Shakespeare est traversé physiquement, déconstruit, fragmenté. Le processus accepte le chaos comme moteur de sens.
L’histoire nationale devient matière vivante. Les corps dialoguent avec les objets, les vitrines, les visiteurs en mouvement. La création se construit dans l’interaction et l’imprévu.
La création traverse les illusions sociales pour laisser émerger une autre vérité. Ce qui a été appris, transmis, imposé commence à se fissurer. Le corps est placé au centre du conflit ; la perte devient passage nécessaire.
Le travail questionne l’acteur, celui qui affronte le personnage dans une zone de friction. Explorer les failles, les contradictions, les désirs inavoués. Le processus devient confrontation intime, dans une mise en abîme scénique.
Après les recherches vient le moment de composer, de réunir les différents langages : théâtre, danse, performance, voix. Le festival devient un espace de circulation des formes et des processus. Ici, créer, c’est partager un chemin plutôt qu’un résultat.
Le musée impose son cadre, ses œuvres, son silence. Les corps s’y glissent lentement, presque immobiles. Le processus explore le regard, l’attente, le trouble : œuvre ou présence vivante ?
Il ne s’agit plus d’ouvrir, mais d’assembler des fragments de textes, des gestes inachevés, des récits collectés au fil des ateliers. La création se compose de morceaux en circulation. Le spectateur progresse dans un processus toujours en cours, jamais figé.
Ici, rien n’est encore destiné à être montré. Le film capte l’avant : les essais, les ratés, les hésitations. Créer devient un acte de patience, d’écoute et de disponibilité.
C’est là que tout commence... Dans un bâtiment industriel brut, chargé de poussière et de gestes anciens, les corps arrivent sans forme préétablie et se laissent traverser par l’espace. On fouille, on ouvre, on déplace. La création naît du dialogue entre les corps, le lieu et la matière.
